Spoiler alert: questo è un articolo provocatorio. Volutamente provocatorio.

Non per offendere, non per fare sterile polemica da social, non per strizzare l’occhio al primo urlatore di turno che vive di slogan, ma per provare a ragionare (con falsa modestia, irriverenza, arguzia e un pizzico di sana cattiveria intellettuale) su un tema che riguarda tutti: che fine ha fatto il coraggio dell’arte?

Viviamo in un’epoca in cui il confine tra sensibilità e marketing, tra inclusione vera e operazione commerciale, tra rappresentazione e paraculaggine narrativa, sembra sempre più sottile.

E allora vale la pena porsi qualche domanda scomoda.

Premessa necessaria

Premetto che non sono (o mi piace pensare di NON esserlo) un salviniano semi-analfabeta contro pansessuali, gender fluid e tutta quella roba new age che tanto piace attaccare a “sora Giorgia” and co. (anche se qualche semi-analfabeta sicuramente lo penserà “leggendo” il testo, senza capirlo).

Chi mi conosce lo sa e conosce anche il mio modo di esprimermi: talvolta irriverente, talvolta volutamente provocatorio, talvolta politicamente (s)corretto. Talvolta semplicemente ignorante, come piace a me, del resto.

Sono dell’idea che ognuno debba fare e pensare ciò che vuole, essere ciò che vuole, senza doversi curare dell’invidia o, peggio, dell’inutile (pre)giudizio altrui.

Il pericolo del perbenismo esasperato

Sono però anche un appassionato di arte, dalla poesia al disegno, passando ovviamente per musica e cinema.

Ed è proprio nel mondo segnato dall’era di Hollywood (Bollywood e i film di Mumbai, invece, possono fare ciò che vogliono, peggio è e meglio è in questo caso) che più vedo i pericoli del perbenismo esasperato, con l’esagerazione che diventa peggior nemica di se stessa nell’improbabile tentativo di creare qualcosa che possa piacere a tutti.

Perché nel farlo non piace a nessuno e crea, anzi, polemica.

Qualcuno dirà che è tutto marketing. Ma il famoso “purché se ne parli” funziona appunto col Salvini di turno, non con lo spettatore anche minimamente consapevole. E ho detto minimamente, si badi bene.

Il grande cinema non aveva bisogno di forzature

Io piango il saluto al grande cinema del secolo scorso e non lo dico da nostalgico (appunto), manco c’ero, ma da persona che ripudia il politicamente corretto un po’ per modus operandi e un po’ perché davvero rischia di essere arma a doppio taglio per chi spera, per un motivo o per l’altro, di cogliere il favore del pubblico e della critica.

Ormai pare si debba mettere ogni orientamento politico, genere, etnia e sessualità in ogni film, ma spesso è solo strategia di marketing, come la squadra di Serie A che compra il thailandese o l’uzbeko di turno (sempre sia lodato Eldor Shomurodov) soltanto per vendere in qualche Paese specifico.

Ma la gente lo sa. Lo fiuta. Se ne accorge subito. E storce pure il naso quando vai a toccare personaggi che ormai avevano assunto un determinato aspetto nell’immaginario collettivo.

Inclusione vera e remake posticci

Non parlo ovviamente dei film pensati da zero per sensibilizzare su specifici temi (ci mancherebbe, anzi: amo profondamente il genere e negli anni abbiamo potuto vedere bellissimi capolavori come Forrest Gump, La ricerca della felicità, Il diritto di contare, Il ragazzo dai pantaloni rosa, C’è ancora domani e tantissimi altri).

No. Io parlo di quella sfilza infinita di remake posticci e un po’ triti, che non peccano solo nella trama ma persino nella scelta degli attori. Tanto nel cinema quanto in TV (si pensi al Piton del nuovo Harry Potter).

Ma se la Marvel può giustificare molto più facilmente una variante di Spider-Man (tra l’altro già canonica: il fumetto è pieno di versioni, e Miles Morales, gran bel lavoro), ecco che viene un po’ più difficile riuscire a vendere come nuovo una revisione di classici come Biancaneve o La Sirenetta.

Jurassic Park e il fascino dello stereotipo fatto bene

Anche Jurassic Park seguiva lo schema classico in ogni film: isola, casino umano, dinosauro, morti, fine. Un afroamericano, un ciccione informatico, qualche protagonista bianco, un mezzo italiano avvocato vestito malissimo, due bambini, una donna(che regge da sola mezzo film).

E nonostante questo (e vari errori in regia), parliamo ancora oggi di un classico intramontabile del cinema. Un film di due ore dove i dinosauri si vedono al massimo per una ventina di minuti, ma comunque un film che ha segnato la storia del cinema stesso.

E adesso? Cos’è rimasto oggi di quell’eredità di Spielberg? Ora persino i raptor ne escono addomesticati. Cioè, le creature che più dipingevano la saga di tinte horror nei primi tre capitoli adesso diventano animali da compagnia grazie a Jurassic World. Se volevo vedere un bel film incentrato sul rapporto uomo-bestia, mi guardavo Balto. Oppure Lilo & Stitch (che ha fatto un bel live action appena un annetto fa).

La morte della creatività?

Aggiornarsi va bene. A un certo punto serve per sopravvivere. Ma a volte sarebbe meglio lasciare sepolti vecchi progetti, per evitare di ucciderli due volte. Lo sentiamo dire, per certi versi, anche a Chris Pratt nei panni di Owen Grady (autore, appunto, della morte del raptor canonico che tanto amavo), quando gli viene detto che “il progresso vince sempre” e lo sentiamo rispondere: “forse dovrebbe perdere, per una volta”.

Siamo davvero arrivati all’epoca che rappresenta la fine della creatività umana? Un periodo talmente vuoto che siamo costretti a riesumare i soliti volti per stare a galla (RDJ in Doctor Doom)? Nemmeno l’AI può salvarti ormai.

Gli stereotipi, se scritti bene, funzionano ancora

Io plaudo a Una poltrona per due, Mars Attack!, ma anche ai film un po’ già scritti, quelli in cui ti immagini il finale e lo indovini in famiglia, che sapevano di stereotipo, sì, ma anche di casa.

Perché anche lo stereotipo è strumento di conoscenza e risata, se usato sapientemente. Chiedere ai Simpson. Almeno ai Simpson canonici, dato che anche loro rischiano ogni volta di precipitare nel perbenismo di chi deve eliminare i vizi di Homer, polemizzare sul leggendario Apu, o stravolgere la vita di qualche altro personaggio.

Quando i temi diventano arte (e quando no)

Perché voler inserire temi e idee ad ogni costo non paga. Guardate com’è finita con The Marvels.

Mentre affrontare certi temi con sincerità e necessità narrativa dà vita a capolavori pazzeschi, da Philadelphia a La vita è bella, passando per tante opere che non usano il messaggio come slogan, ma come cuore pulsante della storia.

Tornando all’esempio in casa Marvel, viene davvero da chiedersi come abbia fatto un film incentrato su uno dei personaggi più forti dell’universo a fumetti, ricco di ottime attrici (e attori) e con un grande potenziale artistico a trasformarsi in un flop clamoroso. Tralasciando chi critica il film per criticare il concetto di femminismo in senso ampio, credo che l’errore più grande sia stato proprio quello di utilizzare questo tema come slogan, piuttosto che come implicito centro narrativo della storia.

Va bene immaginarci tutti come analfabeti, ma un minimo di “non detto” lo si potrebbe anche lasciare, eh, altrimenti del film resta soltanto un’accozzaglia di elementi buttati lì un po’ a caso. Questo è anche il motivo per cui, invece, Thunderbolts* ha  un sapore completamente diverso, racconti la storia in modo completamente diverso, sia di per sè un film completamente diverso. Non è perfetto, non è nemmeno fedelissimo al fumetto, ma i momenti di leggerezza si connettono benissimo con quelli più intensi ed emotivi. Senza forzature. Esattamente quello che manca a molti film contemporanei. Saranno i tempi che cambiano?

Sarà il tempo a giudicare tutti

Quale sia la verità (presunta), credo che inseguire la grandezza (o peggio, la presunzione della grandezza) non serva a nulla.

Perché alla fine, comunque, sarà il tempo a decidere chi verrà ricordato e chi finirà nell’oblio. Come sempre. Come accade nell’arte. Come accade nella vita.

Perché il pubblico si può convincere per un weekend, forse per una stagione, ma non si inganna per sempre. La moda passa, la polemica svanisce, il clamore si spegne. L’arte vera resta. O dovrebbe restare.

Resta quando smettono di parlarne i giornali, resta quando finisce l’hype, resta quando una scena, una battuta o una colonna sonora continuano a vivere dentro di noi senza bisogno di essere spiegate. Come avviene per la musica di maestri come Hans Zimmer.

E allora sì, sarà sempre il tempo il giudice supremo: l’unico capace di separare ciò che era davvero cinema… Da ciò che era soltanto rumore.

Lunga vita ai sognatori.